EDICION N° 11 (NOVIEMBRE - DICIEMBRE) 2011

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Calle 13 arrasa en los Grammy Latinos

El trio boricua se llevó nueve gramófonos gracias a su trabajo "Entren los que quieran". También fueron galardonados Zoé, Sie7e y el trío Alex, Jorge y Lena.

(REUTERS) El grupo puertorriqueño partió con 10 nominaciones en la premiación que honra a lo mejor de la música latina e inició el show en Las Vegas con una encendida versión de su tema "Latinoamérica", recibiendo una ovación de pie por el tema que celebra su cultura.

"Latinoamérica" posteriormente fue reconocida como Mejor Grabación y Mejor Canción del Año.

Al subir a recoger los galardones, el cantante René Pérez se refirió al espíritu independiente de Calle 13 y a su llegada a la popularidad pese a su escasa difusión radial en varios países, incluyendo Estados Unidos.

"Para toda América Latina (...) larga vida a la música", dijo Pérez, antes de agregar "no a la payola", término usado en la industria para referirse a los pagos que realizan los promotores a las estaciones de radio para que toque su música.

Pérez dedicó un premio a "la gente que no se vende por dinero y que hace música porque verdaderamente lo siente" y al recibir otro exclamó "larga vida a la música verdadera".

Junto con el premio a Mejor Album del Año, "Entren Los Que Quieran" también fue elegido Mejor Album de Música Urbana, y su tema "Baile de los Pobres" reclamó el honor como Mejor Canción Urbana.

Antes de que el show comenzara quedó en evidencia que se anticipaba una noche importante para Calle 13 al recibir otros cuatro galardones: Mejor Canción Tropical por "Vamo'a portarnos mal", Mejor Canción Alternativa por "Calma pueblo", Mejor Video Corto por "Calma pueblo" y el galardón a Productor del Año.

Tan completo fue el dominio de Calle 13 -consiguieron un récord en los Grammy Latinos de nueve premios- que el venezolano Franco de Vita, quien ganó en la categoría Mejor Album Pop Masculino por "En primera fila", bromeó en el escenario diciendo "Menos mal que no estaba Calle 13 en este rubro".

Incluso el cantante puertorriqueño Sie7e, que ganó el premio a Mejor Artista Nuevo por su álbum "Tengo mucha cosa buena", agradeció a Calle 13 por ser una inspiración "para crear con emoción".

Pero en la noche no faltaron otros ganadores clave. Shakira se llevó el premio a Mejor Album Pop Vocal Femenino por "Sale el Sol", y la cantante colombiana recibió un premio especial a Persona del Año.

El trío Alex, Jorge y Lena, integrado por el español Alex Ubago, el colombiano Jorge Villamizar y la cubana Lena Burke, ganó Mejor Album Pop Dúo o Grupo por su disco debut "Alex, Jorge Y Lena".

La banda mexicana Maná ganó el premio a Mejor Album de Rock con "Drama Y Luz", y el puertorriqueño Tito El Bambino ganó el la categoría Mejor Album Tropical con "Invencible".

KOYI K UTHO

koyi k utho

La historia hasta hoy…


Koyi K Utho nació en 1.999 como un tributo al piloto de la serie animada japonesa Mazinger Z. Desde aquel entonces la banda se ha dedicado a explorar la música que siempre los ha inspirado: el industrial en sus diferentes manifestaciones, pero concentrándose en el cyber core o metal industrial. Todo esto con un soporte visual en cada una de sus presentaciones, que refleja la influencia del manga en su música a través del maquillaje corporal.

Su primer trabajo discográfico, Mechanical Human Prototype (EMI), salió al mercado durante el primer semestre del 2005. Estas doce canciones (que incluyen una versión de la canción “Personal Jesus”, original del grupo Depeche Mode) dejan ver sus influencias de grupos como Prong, Cubanate, Fear Factory, Front Line Assembly, Pantera, Sex Pistols, D.R.I, Static – X, entre otros

Dentro de sus presentaciones más importantes se encuentran cinco conciertos en el Festival Rock al Parque (incluyendo su edición 2006), tres Tortazos (conciertos realizados por el Instituto Distrital de Cultura y Turismo en el teatro al aire libre La Media Torta de Bogotá), el ciclo de géneros urbanos en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, dos visitas a Ecuador donde participaron en Ier Festival Internacional Infusion Fest 2003 en Cuenca y el Quito Fest 2004; recientemente fueron los encargados de cerrar la edición numero 16 del prestigioso evento de rock venezolano, Festival Nuevas Bandas.


Ciudades como Cali, Medellín, Manizales, Ibagué, Villavicencio y muchas tarimas bogotanas han podido ver los conciertos de Koyi K Utho, en los que han compartido el escenario con bandas como SlipKnot (EEUU), Fear Factory (EEUU), Molotov (México), Catupecu Machu (Argentina), Robi Draco Rosa (Puerto Rico), Cafetacuba (México), Cradle of Filth (UK) A.N.I.M.A.L (Argentina), Cradle of Filth (UK), Timmy O Tool (Argentina), Muscaria (Ecuador), Monstruosity (USA), Candy66 (Venezuela), Carajo (Argentina), Resorte (México), Eminence (Brasil), Chaos Avatar (Venezuela); y de Colombia: 1280 Almas, Ultrageno, La Pestilencia, Sexy Death, Hijos de la Criada, IRA, Odio a Botero, Raíz,
Pornomotora, entre otras.

El disco Mechanical Human Prototype esta apoyado por tres videos realizados hasta el momento: Demential State, Freakman y Personal Jesus. El vídeo clip de la versión de Personal Jesus, original de Martin L. Gore (Depeche Mode), fue realizado en animación 3D por Johan Chivata; el segundo video, Demential State fue rodado por Resistencia Producciones (Edgar Mayorga y Juan Pablo Méndez); por su parte, el video de Freakman fue editado a partir de imágenes en vivo de la banda. Las tres producciones se encuentran rotando actualmente en MTV Latino, Mucha música, Videodromo, Canal + 23 (Panamá) y Puma TV (Venezuela).


En los Premios Shock 2004 resultaron ganadores en la categoría de Mejor Banda Metal 2004. Además, se presentaron durante la ceremonia de entrega de dichos premios, donde compartieron tarima con Supervelcro. Otro reconocimiento importante realizado a la banda fue el de la Revista Rolling Stone (en su edición local) al afirmar que el disco debut de Koyi K Utho ¨Mechanical Human Prototype¨ se encontraba en la lista de los mejores 50 discos del año.



Momentos más importantes (selección)

< Rock al Parque Y2K (2.000), Parque Simón Bolívar. Bogotá.
Rock al Parque 2K1 (2001). Parque El Tunal. Bogotá.
Festival internacional Ibagué despierta al rock (2.002), Ibagué.
Tortazo Neo Metal y Power Core (2.003). Junto a De2, El Sie7e, Revez e Hijos de la Criada de Medellín. Parque el Renacimiento, Bogotá.
Ier Festival Internacional de música y Diseño Experimental Infusion Fest, Cuenca (2.003), Ecuador.
Rock al Parque Y3K (2.003), Parque Simón Bolívar. Bogotá.
Ciclo de géneros Urbanos en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, Prelanzamiento del CD “Mechanical Human Prototype” (2.004), Bogotá.
Día de la Juventud con El Sie7e, Raíz y No Silence (2.004), Villavicencio.
Tortazo Industrial Punk junto a Pornomotora, Morgue y Molotov Cocktails -EEUU- (2.004), Bogotá.
Con Cradle of Filth –UK-, Awaken y Liturgia (2.004), Bogotá.
Festival de géneros Urbanos, Universidad Piloto, junto a Supervelcro, 69 Nombres y Alerta (2.004), Bogotá.
Rock al Parque 2004, cierre por Colombia en el Parque Simón Bolívar. Después de Catupecu Machu (Argentina) y antes de Molotov (México) ante más de 60 mil personas.
Quitofest 2004. Acto de cierre en el Parque La Carolina, Ecuador.
Festival Nuevas, Caracas (Venezuela). Julio 2006. Junto a Los Mentas, Pornomotora, Candy 66, entre otros.
Rock al Parque 2006, cierre por Colombia en el Parque Simón Bolívar. Después de Día de Los Muertos (EEUU) y antes de Fear Factory (EEUU) ante más de 70 mil personas.



MECHANICAL HUMAN PROTOTYPE, lo que han dicho los medios

Rolling Stone Magazine> “El corazón negro que mueve a la maquina”. 4 estrellas otorgadas.
“El metal contemporáneo, cuando quiere aterrorizar de verdad a su audiencia, acude a nuevos temores más reales que el diablo. El verdadero motivo de temor hoy es el futuro y la decadencia humana. Koyi K Utho, banda bogotana de creciente popularidad en la escena de su ciudad recurre a ese discurso, acompañando a la vieja agresividad de las guitarras distorsionadas con el poder de la nueva tecnología, poniendo en claro que no hay que buscar al demonio en los olores del azufre, sino en la transformación que ha tenido el hombre con su contacto con las máquinas y su proceso acelerado de deshumanización, acercándose más a la labor de procesar como fría computadora la información a su alrededor y alejándose del fluir de la sangre de su cuerpo en irregular desprecio por su condición natural… logramos hallar en Koyi K Utho una de las propuestas más originales del momento y quizás una muestra fehaciente de que el metal aún tiene como responder a su eterno papel de sacudir a sus oyentes”.

Shock> “Mechanical Human Prototype”
“Desde la primera canción (Freakman) hasta la ultima (Two Steps Under), Koyi K Utho nos atrae hacia un mundo futurista, atractivo y amenazante. Un imán gigante que nos arrastra, curiosos, hacia territorios desconocidos e inexplorados que nos llenan de un temblor, mitad placer y mitad miedo”.

Zona de Obras (Revista Española)> “Debut en hipertexto”
“En la primera producción del grupo colombiano, el manga, la literatura futurista de Toffler y la cultura cyberpunk encontraron un espacio para la interacción que sentó las bases de su proclama…La trinchera de batalla de su álbum debut, enmarcado musicalmente en el virtual noise y en el hard core punk industrial, no está en la guerra de todos los días donde humanos eliminan humanos. No obstante, en cualquiera de sus instancias esta la característica marcha de desencanto y desasosiego que ha servido de padrón a las ultimas generaciones de artistas nacionales vinculados a los géneros musicales modernos”.

El Tiempo> “Los hijos industriales de Mazinger”
“Los integrantes de Koyi K Utho son cinco estupendos músicos dedicados, que acaban de prensar su primer álbum: Mechanical Human Prototype… así es su primer disco, una unión entre lo orgánico del punk, la fuerza del metal, la rítmica del industrial y los beats electrónicos. Y esa, justamente, es la virtud de Koyi K Utho, el balance perfecto entre esas tendencias musicales, con mucha identidad”.

Negro, Vocalista
Zetha, Bateria
Mono, Guitarra
Eduardo, Bajo
BellTronic, Bajo

BLUE KISSES!!

Los invito a que participen en el primer concurso Blue Kisses! Sigan el link para saber cómo! http://t.co/9TbMPAUp Pilas!!

BIOGRAFIA ANNIE MCCAUSLAND

No Regreses / Do Not Come Back es la reunión de sonidos que estaba buscando, refleja lo que sentí en una época y al final aprendí a perdonar”, dice Annie McCausland. “En el video me complacieron en todo, el azul, las muñecas, las antigüedades, el peinado a lo Pucca y el estilo japonés que me encanta, refleja lo niña que me siento por dentro”.

Su nuevo sencillo No Regreses fue concebido en el año 2007 en español, fue grabado varias veces, “intentos fallidos, pero que nos sirvieron de aprendizaje, errores que al final dejaron como resultado una canción más divertida y a la vez con más contenido”, explica Annie.

Do Not Come Back, la versión en inglés de No Regreses, fue una idea que nació de la necesidad de complacer a todos los seguidores de Annie, ella dice: “siempre me llegan mensajes de twitter, facebook y myspace, diciéndome que les encanta mi música, pero que no la entienden porque es en español, por eso quisimos traducirla. No fue literal, pero si conserva el mensaje lo más exacto posible”.

Durante los tres años de trabajo artístico con esta propuesta musical, Annie McCausland ha invadido las redes sociales y emisoras virtuales con sus dos sencillos anteriores, Voy por Ti y Mintiéndome,canciones que la llevaron a realizar una gira nacional visitando bases militares en Puerto Asís, Putumayo, Tumaco, Puerto Leguízamo, Facatativá, importantes medios de comunicación internacionales y nacionales en Bogotá, Medellín, Barranquilla, Cartagena y Bucaramanga. Su música se ha extendido a emisoras locales en Colombia, Panamá, Venezuela, Australia, México y Estados Unidos, y definitivamente las emisoras virtuales, se convirtieron en el mejor mecanismo de difusión mundial, ya que alrededor de 100 emisoras programan su música diariamente.

“Yo empecé tocando la flauta dulce soprano, luego la contralto, pasé por la guitarra, el piano, el bajo y la batería, pero finalmente me quedé con el canto, lo aprendí en los coros que estuve, desde los 7 años, utilizaba la técnica lírica y todavía lo hago, pero le imprimo el toque pop”, explica Annie, quien está orgullosa de pertenecer al coro de la Ópera de Colombia. “Les debo mucho a mis maestros, Carlos Basto, Ariel Pérez, Carol Gonzales, Luis Díaz Herodier, al Colegio Americano con todos los espacios artísticos en los que me permitió participar, A la Escuela Fernando Sor y obviamente a los jalones de orejas de mi productor musical Iván Vásquez”.

Annie empezó a componer desde los 11 años a la vez que aprendía a tocar empíricamente la guitarra, muchas de las armonías y letras de su primer álbum fueron inspiradas en esa época. Confiesa que no es de esas compositoras que tienen 100 canciones, “escribo poco, pero cuando lo hago no me detengo hasta que consigo algo que me encante”. Todas las canciones de su disco, exceptuando una, son de su autoría y reflejan sus vivencias y las de otros, pensamientos y opiniones personales.

“Les debo mucho a mis padres quienes desde pequeña vieron que tenía amor por la música y decidieron inculcarme las artes. También a mis amigos que me mostraron el camino del audio y me ayudaron en la grabación del disco”. Ella siempre aclara que no está sola, siempre habla en plural al referirse de su trabajo, sus amigos músicos creyeron en ella y decidieron apoyarla, el arreglista y guitarrista Guillermo Castro, el bajista Hugo Espitia, el bateristaNelson Amarillo, el baterista Juanes Vanegas, el guitarrista Erwin Vanegas, el guitarrista Alberto Palacio, el baterista Darwin Páez, y su actual productor musical y bajista Iván Vásquez.

“Me encanta mi profesión, entretener es mi meta y que al hacerlo la gente se sienta feliz y se lleve un ánimo positivo a su casa o que se sienta identificado con mi música, no pretendo ser un ídolo, solo quiero que la gente recuerde mis composiciones y que no se pierdan en el tiempo”.

LO NUEVO DE CIELITO DRIVE

Nos llega este mail de parte de la agrupación Barranquillera Cielito Drive, su nuevo trabajo disco y vídeo gráfico.
  
 
  
Hola a tod@s!

Hemos estado trabajando full en este nuevo trabajo musical, entre
otras cosas tomando decisiones sobre el nombre del disco al cual
habiamos titulado "Cabron", dados los sentimientos de la banda hacia
muchas cosas no tan buenas de nuestro mundo...

Aca les enviamos un video pa' que se la vacilen y vean en lo estamos
trabajando,

Abrazo fuerte y la mejor de las energias ;)

http://www.youtube.com/watch?v=Cb_nR97Vw9o&feature=related
  
 

Li Saumet, la reina del electrovacilón

En el último año, Liliana Saumet, o simplemente Li, apenas ha estado en Bogotá durante cuatro meses. Su vida se ha convertido en una odisea musical que la ha llevado a visitar en tiempo récord países como Estados Unidos, Brasil, Bélgica, Dinamarca y Holanda. Su voz cálida, sus polémicas letras y el derroche de energía que demuestra en cada concierto hacen que esta samaria, de ascendencia árabe-francesa, no pase desapercibida para el público.

Aunque al verla cantar y bailar es inevitable pensar que nació para estar sobre un escenario, Li jamás se imaginó que iba a ser cantante. A los 19 años se fue a vivir a Barranquilla y empezó a estudiar Publicidad, carrera que terminaría en el Politécnico Grancolombiano de Bogotá. Su amor por la moda la llevó a trabajar en arte y vestuario para telenovelas, e incluso a manejar durante un tiempo su propia microempresa de ropa, zapatos, mochilas y vestidos de baño.

La primera propuesta de cantar llegó hace cuatro años, cuando se unió como vocalista a la banda Míster Gómez en Bombay. Después de varios conciertos, su voz empezó a ganar seguidores. “Hasta el momento no había visto la música con seriedad. Cantar era algo que hacía sólo para mamar gallo con mis amigos”, afirma.

Al poco tiempo, el músico y artista visual Simón Mejía la invitó a participar en Bomba Estéreo, un proyecto de sonidos colombianos con bases electrónicas que se inscribe en el pintoresco género de la cumbia sicodélica. “Empecé a cantar cumbia y mi voz fluyó naturalmente porque llevo los ritmos caribeños en la sangre. El resultado me pareció interesante y entonces decidí entregarme de lleno a la música”.

De entrada contó con el apoyo de su familia que, además, se enorgullece de tener varias generaciones de cantantes femeninas. La abuela de Li cantaba boleros en una emisora y su enorme talento la llevó a ser conocida como “La voz de oro de Aracataca”. Esta herencia musical se transmitió a sus tías, sus primas y su mamá. Por eso, a fin de cuentas, a nadie en la casa de Liliana le sorprendió que cambiara la publicidad por los micrófonos.

Li compone sus propias canciones pues desde pequeña le encanta escribir. Sus letras son pegajosas y controvertidas y en ellas expresa lo que piensa sin pelos en la lengua. Le ha cantado al erotismo, al sexo, a la rumba, al amor, a las mentiras de los políticos y a la obsesión por la belleza de algunas mujeres. Por cuenta de canciones como Niña rica y frases explosivas como “Pareces un monstruo, pareces un mito, te veo en la playa y siento que vomito”, su música ha recibido el rótulo de “electrovacilón contestatario”.

Pero a Liliana no le molesta lo que digan de sus letras, por el contrario, su preocupación es que el mensaje de sus canciones llegue a la mayor cantidad de espectadores en el mundo. Por eso no descarta la posibilidad de cantar algún día en inglés. “Mi intención no sería la de vender más discos ni conquistar otros mercados, simplemente, cuando estoy de gira, me he dado cuenta de que las personas que no hablan español se gozarían más los shows si pudieran entender lo que canto”, explica.

Cuando la comparan con leyendas de la música como Totó la Momposina, Lil’ Kim o La Mala Rodríguez, Li se siente halagada pues estas referencias demuestran que el público reconoce positivamente su trabajo. Sin embargo, considera que es más interesante cuando la gente descubre propuestas nuevas en un artista. Su principal compromiso es con la innovación. “Li es muy exigente consigo misma, siempre intenta hacer algo distinto en cada concierto pues busca reinventarse constantemente como artista”, cuenta Felipe Álvarez, mánager de Polen Record, el sello disquero de Bomba Estéreo en Colombia.

La moda es otra de las pasiones de Liliana que, en parte, ha contribuido a forjar su estilo particular como cantante. En un principio realizaba su propio vestuario con la ayuda de amigos diseñadores y artistas urbanos. “Una vez me regalaron un vestido blanco muy lindo y unos grafiteros me ayudaron a transformarlo”. Actualmente trabaja de la mano de la diseñadora María Fernanda Paillie para crear los atuendos audaces y de colores llamativos que tanto la caracterizan. “El estilo de Li al vestir es similar a su música pues es una mezcla de varias tendencias. Buscamos combinar las pintas modernas del rap y el hip hop con los vestidos clásicos que resaltan la sensualidad femenina”, afirma Paillie.

Luego de compartir escenario con bandas tan reconocidas como Calle 13, La 33 y Chocquibtown; visitar festivales tan importantes como el LAMC de Nueva York y el Roskilde en Dinamarca; y participar con s Rodríguez, Li se siente halagada pues estas referencias demuestran que el público reconoce positivamente su trabajo. Sin embargo, considera que es más interesante cuando la gente descubre propuestas nuevas en un artista. Su principal compromiso es con la innovación. “Li es muy exigente consigo misma, siempre intenta hacer algo distinto en cada concierto pues busca reinventarse constantemente como artista”, cuenta Felipe Álvarez, mánager de Polen Record, el sello disquero de Bomba Estéreo en Colombia.

La moda es otra de las pasiones de Liliana que, en parte, ha contribuido a forjar su estilo particular como cantante. En un principio realizaba su propio vestuario con la ayuda de amigos diseñadores y artistas urbanos. “Una vez me regalaron un vestido blanco muy lindo y unos grafiteros me ayudaron a transformarlo”. Actualmente trabaja de la mano de la diseñadora María Fernanda Paillie para crear los atuendos audaces y de colores llamativos que tanto la caracterizan. “El estilo de Li al vestir es similar a su música pues es una mezcla de varias tendencias. Buscamos combinar las pintas modernas del rap y el hip hop con los vestidos clásicos que resaltan la sensualidad femenina”, afirma Paillie.

Luego de compartir escenario con bandas tan reconocidas como Calle 13, La 33 y Chocquibtown; visitar festivales tan importantes como el LAMC de Nueva York y el Roskilde en Dinamarca; y participar con su canción Fuego en el esperado videojuego FIFA 10, Liliana aún no se cree el cuento de la fama. Sigue siendo la misma niña consentida que extraña el mote de queso y el sancocho de su mamá, mientras estalla con su poderosa voz los escenarios europeos.

¿A qué suena el electrovacilón?

A sudor, ajiaco, arroz con coco, a un poquito de montaña con un toque de playa.

¿Cuáles mujeres la han influenciado a la hora de cantar?

Mi mamá, la Niña Emilia, La Mala Rodríguez.

¿Cómo han determinado las redes sociales la difusión de Bomba Estéreo?

Mucho, creo que ese ha sido el gran factor para que la banda deje de ser underground y pueda ser conocida por mucha gente.

¿Cómo terminó trabajando al lado de Ricardo Montaner?

Por casualidad. Fui a Miami a trabajar con el hermano de Selena y me encontré a un hijo de Ricardo Montaner, le dije que si necesitaban una cantante y al otro día me dijo que sí. Fue muy divertido, era el cantante favorito de mi mamá. Además, es un hombre increíble, muy buena onda. Fue un regalo para mi mamá también.

Bomba Estéreo fue catalogada como la mejor banda del mundo por el canal MTV, ¿cómo recibe este reconocimiento?

Es bonito y satisfactorio que te tengan en cuenta, que un canal como MTV te dé una mención como esta. La verdad es que nunca pensé que íbamos a ganar.

¿Qué tiene Bomba Estéreo para ser la mejor?

Como banda no solamente tenemos música, sino corazón y una propuesta que es consecuente con lo que sentimos.

¿En qué momento deciden volver a las raíces?

Es algo que muchas bandas han hecho, es retomar lo que somos. Yo nací en la costa y tenía la influencia del folclor y al tiempo tenía el rap, la electrónica, el rock, son cosas que no te predispones para hacer, sino que te salen porque eso es lo que eres.

¿Qué tanto han participado los críticos musicales en el reconocimiento que tiene Bomba Estéreo?

Ha habido bastante crítica y muy buena. Hemos tenido la suerte de que nuestra música le ha gustado a la gente que hace crítica.

¿Dónde radica la fuerza de la música tradicional?

En el rito. La música tradicional viene de la raíz y la raíz es de sentimiento. La música es algo que no tiene límites, que te lleva a estados increíbles, y eso logra la música autóctona. La esencia de esta música es la espiritualidad.

¿Cuál es la mezcla que da como resultado una ‘cumbia psicodélica’?

Música y locura.

¿Cómo definiría la nueva música colombiana?

Como la nueva cara de Colombia.

¿Cuánto fuego tienen los Bomba Estéreo?

Es inagotable.

¿Y cómo lo mantienen prendido?

Procurando que el espíritu y el corazón siempre estén encendidos.

¿Le suena trabajar como solista?

Yo me veo grande en el escenario porque tengo atrás otros personajes igual de grandes metiéndosela toda para estar ahí. No me veo sin mi banda. Simón es el motor y yo soy la gasolina.

El lugar musical de Colombia.

Sin duda el Caribe.

¿Qué ha tenido la música del Caribe para opacar los ritmos de otras regiones colombianas?

El Caribe es desbordante en arte, música y en todo tipo de manifestaciones. Te dan ganas de sacar todo de ti.

¿Cuál es el límite entre la música independiente y la comercial?

Creo que la música es comercial cuando todo el mundo puede escucharte. A veces a la gente no le gusta, pero es el trabajo.

¿Hasta dónde quiere llegar con Bomba Estéreo?

Hasta donde Dios quiera que llegue.